1.- El entrevistado
Como se anunció en la entrevista anterior con Hilde Heyvaert, Diana M. Pho (más conocida como Ay-leen la Pacificadora) es nuestra entrevistada de febrero. Es la editora fundadora del galardonado blog multicultural de steampunk Más allá de Victoriana , un bloguero para Tor.com, y un Estudiante de posgrado actual en Estudios de Performance en la Universidad de Nueva York. Su trabajo académico se puede encontrar en los libros La Biblia Steampunk, Steampunk II: Steampunk Reloaded, Steampunk Magazine Anthology #1-7, y la próxima antología académica Fashion Talks: Desnudando el poder del estilo de SUNY Press.
2.- La entrevista
Antes que nada, Diana, queremos darte las gracias por aceptar nuestra propuesta de entrevista. Llevamos mucho tiempo siendo lectores de tu blog Beyond Victoriana's y esta es la razón por la que hemos pensado en ti. Cuando se habla de joyería steampunk, la mayoría de los miembros de la comunidad SP, como diseñadores de moda o fotógrafos, probablemente pondrían la estética en primer plano. Sin embargo, puedes ofrecer a la comunidad Steampunk una visión más amplia.
P.- Dicho esto, ¿qué es la joyería Steampunk para ti?
R.- ¡Gracias por invitarme, José! Es un placer escuchar a los lectores del blog, especialmente a quienes buscan explorar los temas más complejos que surgen con el estilo steampunk.
"¿Qué es la joyería steampunk?" es una gran pregunta, pero creo que debería ampliarla para abordar esa pregunta más importante primero: "¿Cómo defines el steampunk?" Para mí, el steampunk se define en dos niveles: como estilo y como método (sí, creo que el steampunk puede ser —y debe considerarse— un verbo, y hablaré de eso un poco más adelante). Como estilo, el steampunk es "ciencia ficción y fantasía inspiradas en el siglo XIX."
Así que soy bastante abierto sobre lo que sería "joyería steampunk". Podría estar basado en la historia o construido de forma imaginativa, y no creo que necesariamente sea necesario "ponerle un engranaje" para que se considere joyería steampunk. Lo que hace que la joyería sea steampunk, en mi opinión, es conectar de alguna manera ese objeto con la relación entre esa sociedad y la tecnología – con un toque de fantástico, por supuesto. Los mecanismos de relojería pueden usarse como significantes culturales, pero las piezas que tienen piezas entrelazadas o móviles, materiales que evocan una era mecanizada táctil (podría ser metal real, o de tono metálico, en mi opinión, pero también puede ser de madera, tejido o de otro tipo). Además, estoy en el grupo que dice que el arte steampunk no es igual a arte funcional (sé que hay muchos que no están de acuerdo), y lo mismo ocurre con la joyería. Sin embargo, el aspecto más importante es que la pieza tiene que ser evocador del siglo XIX.
P.- Has sido invitado a participar como panelista en la próxima TempleCon Y uno de tus paneles plantea una gran pregunta: 'Choques culturales: ¿Es realmente el steampunk una subcultura?' Esta es una pregunta clave para nosotros, de hecho recientemente hemos publicado una entrada en el blog titulada ' Razón de ser del steampunk: todo es cuestión de valores ’. Insistiendo en la importancia de los valores y factores culturales, ¿qué relevancia pueden tener a la hora de elegir joyas? ¿Qué nos puedes contar sobre el papel que juegan los medios de comunicación de masas, el consumismo y el estilo en la definición del concepto de Steampunk y su estética?
R.- ¡Acabo de tener TempleCon este fin de semana y ha sido un gran éxito! Un agradecimiento a los organizadores por lograr una convención fantástica, y a mis compañeros de mesa que me ayudaron.
No entraré en demasiados detalles sobre cómo todos estos aspectos influyen en la formación de la estética steampunk (eso es sobre lo que investigo actualmente, y es demasiado extenso para explicarlo en una entrevista), pero sí señalaré algunas observaciones que he hecho sobre los "valores" steampunk.
Señalas en tu artículo la definición de subcultura de la escuela de Birmingham, que afirma que la subcultura es una "ruptura antinatural" reaccionaria (por usar Dick Hebdige's frase famosa), y que investigadores como él y otros se sintieron intrigados por la relación de la ideología punk con la desviación. Sin embargo, Hebdige argumenta finalmente cómo las subculturas desviadas acaban siendo absorbidas de nuevo por la sociedad, a medida que los medios de comunicación y la comercialización asimilan y reabsorben la subcultura en sus intentos de comprenderla a través de los medios de comunicación y capitalizarla mediante el consumismo.
Según su teoría, el impacto mediático es también un aspecto inevitable para reabsorber una subcultura en la corriente principal, pero también muestra cómo los medios mantienen una comunicación recíproca constante con la subcultura: los medios de comunicación de masas influyen en cómo una subcultura es vista por los forasteros, incluidos aquellos que finalmente entran en la propia subcultura. Esto ya lo ves en la comunidad steampunk. Por ejemplo, la frase característica de que "el steampunk es cuando los góticos descubrieron el marrón." La cita se atribuye a Jess Nevins, una estudiosa de la ciencia ficción, pero la autora steampunk Cherie Priest le citaba en sus entrevistas, y de repente todas las fuentes de noticias la repiten como si la frase estuviera hecha de oro (o, en este caso, de latón) y tanto los recién llegados como los forasteros la ven como una broma común en su comprensión del steampunk. Pero ese estereotipo sobre el steampunk nunca habría existido si no fuera por la frase que los medios no pudieron resistir.
Más aún, no se puede asumir que la subcultura existe en un vacío absoluto respecto a la sociedad en general; al fin y al cabo, es reaccionaria. Sin embargo, lo que argumenta Hebdige y con lo que no estoy de acuerdo es la eventual docilidad de la subcultura a medida que es "domada" por la cultura dominante.
La escuela de Birmingham está muy fascinada por la radicalización (y desradicalización) de las subculturas, pero también incluiría la comprensión de la subcultura de la Escuela de Sociología de Chicago, que afirma que la subcultura es una reacción para abordar un problema predominante. Si miras el steampunk desde esta perspectiva, especialmente con sus influencias del Maker, la comprensión común entre los steampunks es que el consumismo masivo y un sentido de vacío estético y creativo en la vida cotidiana son los "problemas" a los que reaccionan. Ambas perspectivas son interesantes, pero también carecen de eso, donde veo que la subcultura progresa hoy en día, especialmente en el steampunk. Ambos se centran en la desviación de la subcultura, que creo que influye en el atractivo participante del steampunk en Norteamérica. Sin embargo, como comunidad en general, los steampunks norteamericanos NO son tan desviados como les gustaría pensar.
Además, yo diría que el steampunk no se ve como inherentemente subversivas o radicalmente políticas (y recordad, amigos, esto lo dice alguien que sí usa el steampunk políticamente , así que no condeno a personas que también son activistas políticas y radicales en Steam). El problema que tengo es que la gente tiende a confundir subcultura con contracultura, y atribuye este mito de desviación inherente en el steampunk a su comprensión de la subcultura. El steampunk (al menos tal como existe en Norteamérica) no es un movimiento contracultural en absoluto. El estilo es poco convencional respecto a la actualidad, pero las motivaciones para la estética encajan en el mismo patrón cultural de anglofilia y la fascinación norteamericana por la historia de la frontera.
Por otro lado, steampunk, como vehículo estético "vacío" (así que argumenta Mike Perschon en su definición de steampunk ) tiene el potencial de politización. Sin embargo, yo profundizaría en su argumento al decir que el steampunk no es solo una estética vacía esperando ser llenada, sino que la estética steampunk debe representarse para que adquiera significado y Ese significado siempre tiene ramificaciones sociopolíticas. La subcultura steampunk es una cultura remix en su concepción, que toma fragmentos de la historia, el arte y la ficción especulativa, y los retuerce para dar un resultado intertextual e irónico. Pero estos gestos no pretenden ser "vacíos" en el sentido de que no tengan ningún significado político o cultural (como posmoderno el teórico Fredric Jameson argumentaría en su comprensión del pastiche ), pero ese significado está abierto a reinterpretaciones irónicas que en última instancia son políticas (como qué la teórica Linda Hutchinson argumenta en su comprensión de lo posmoderno como parodia ).
Al decir "estética performada", no digo que todos seamos actores de teatro, sino que todos actuamos: es decir, construimos de manera que siempre signifiquen algún tipo de mensaje para el mundo en general. Lo hacemos en la vida cotidiana tal y como es: cada uno de nosotros tiene "máscaras" o "roles" que asumimos según dónde estemos y con quién estemos. Y para el steampunk, la interpretación ocurre de formas grandes y pequeñas: ya seas músico, artista, escritor, cosplayer o un simple fan al que le gusta leer los libros o llevar ropa. Cada persona aplica la estética a algo (ya sea a un libro, una forma de arte, sus cuerpos o su visión del mundo) y Esa aplicación es la actuación. Así, al definir el estilo steampunk como un estética interpretada, clasifica el estilo como un facilitador, una herramienta que los participantes pueden usar en su interacción con otros, y que el uso de la estética por parte de una persona tiene consecuencias políticas y sociales directas que también deben tenerse en cuenta.
Vaya, la respuesta larga es larga.
P.- ¿Qué desafíos cree que enfrentan los diseñadores de joyas steampunk? ¿Hay sitio para la joyería fina Steampunk?
R.- ¿Desafíos en el mundo steampunk? ¿Como artistas creativos? ¿O como productores en un mercado de consumo? Bueno, no creo que la primera sea un gran problema, si un artista busca presentar su trabajo en la comunidad. Artísticamente, no puedo opinar porque no soy joyero, salvo por la preocupación de dónde sacarían la inspiración de los joyeros steampunk (más sobre eso abajo).
Así que, aunque el mayor reto no está tanto en la comunidad ni como artista, sino en las expectativas monetarias. Somos una comunidad de nicho y de bricolaje, y en general, la gente apoya mucho las artes en el steampunk. Sin embargo, un resultado desafortunado de la percepción de la gente sobre "¿qué hace a un artista?", es la suposición de que arte = capital, o que el buen arte "debería" generar dinero. Y así, lo que obtienes es un montón de artistas intentando vender sus productos y saturando un mercado limitado. Claro, uno de los "beneficios" de que el steampunk "se vuelva mainstream" es la oportunidad para que artistas y artesanos ganen ingresos con su trabajo, pero en realidad creo que esta mentalidad va en contra de la ética original del bricolaje de la comunidad y amenaza con reducirla a un materialismo superficial y a "parecer brillante".
Parte de la incipiente ideología del steampunk consiste en reclamar el título de artista para la persona común. En la sociedad actual, la palabra "artista" se ha especializado tanto como ocupación que la gente no considera sus obras creativas como arte ni a sí mismos como productores creativos. Pero el steampunk es una de las muchas áreas de la cultura donde esa mentalidad está cambiando.
Así que creo que el mayor reto para los diseñadores de joyería steampunk es darse cuenta de que 1) tienes un nicho de mercado y 2) aunque a muchos steampunks les gusta comprar cosas, muchos también piensan que pueden fabricar esas piezas ellos mismos. Y esa mentalidad también debería estar bien.
Dicho esto, puede haber espacio para la joyería fina steampunk, pero los diseñadores de joyería no deberían entrar en la estética esperando hacerse ricos rápido vendiendo cosas steampunk. Eso solo reduce el tipo de relaciones creativas que los artistas pueden tener en la comunidad.
P.- Estamos seguros de que las influencias interculturales deben ser determinantes para el futuro del Steampunk. ¿Cómo crees que se reflejará esto en el campo de la joyería? ¿Quizá debería la joyería étnica jugar un papel más importante?
R.- En primer lugar, me da reparo proclamar que el papel de la joyería intercultural será algo 100% positivo, porque eso plantea el tema de la apropiación cultural. Claro, podemos tener piezas de joyería steampunk nativa, africana y steampunk asiática (de hecho, obtienes cientos de opciones solo buscando esas palabras clave en Etsy), pero ¿cuántas de esas piezas ayudan a las comunidades culturales que las inspiran? ¿O sería el caso de forasteros que se benefician de culturas marginadas?
Yo llevo joyas budistas específicas de una cultura específica, pero para mí tienen un significado personal y religioso que también llevo en la vida cotidiana. De hecho, me dolería ver a alguien llevar las mismas prendas pero tratarlas como mera decoración.
No es que la joyería intercultural no sea posible, pero los diseñadores deberían ser MUY conscientes de los materiales que usan, por qué los usan y si es un uso respetuoso para que esos objetos los lleven personas ajenas a esa cultura.
P.- Me interesa especialmente el Raj británico, no cabe duda de que Inglaterra e India se influyeron considerablemente mutuamente. ¿Has encontrado rastros de esto en la escena del steampunk? ¿Crees que el papel importante de la joyería en la sociedad india se reflejó en alguna de las tendencias de diseño victoriano?
R.- Es cierto que los diseños indios han influido en la moda británica. El estampado de cachemira es solo un ejemplo (aunque el propio paisley tiene una larga historia como textil internacional). No sé, admito, mucho sobre la historia india de la joyería, pero puedo recomendar un libro realmente interesante que habla sobre la dinámica cultural entre indios y británicos y cómo se reflejaba en el cuerpo en términos de moda y estilo de vida: Cuerpos Imperiales: La experiencia física del Raj .
P.- Tenemos algunas rupias de plata indias de la reina Victoria, bajo la autoridad de la corona. Aunque su valor numismático se desvanecerá, queremos rendir homenaje a estos pequeños fragmentos de la Historia y algunos de ellos se están convirtiendo en colgantes. Desde tu punto de vista, ¿qué papel juegan las antigüedades en este campo?
Generalmente, antes de usar cualquier antigüedad en arte, las preguntas que haría siempre son:
- ¿De dónde salió y quién lo usó? Siempre, siempre investiga y haz que evalúes cualquier objeto antiguo antes de incorporarlo a tu arte. Algo puede ser especialmente raro o importante culturalmente, y en esos casos puede ser mejor conservarlo como un completo o no incorporarlo en ninguna joya.
- ¿Sería más ético devolver el artículo a las personas originales que lo poseyeron? En el pasado, ha habido muchos casos en los que objetos religiosos o culturalmente significativos se han perdido, robado o saqueado de sus comunidades originales (normalmente en proceso de colonización u ocupación por potencias externas) y esos objetos han terminado siendo "poseídos" por otras personas. Y con devolver, no me refiero solo a entregarlo a la primera persona de esa cultura que veas, sino a donarlo a una organización más grande que promueva la conciencia cultural de esa comunidad, por ejemplo.
Si esas rupias indias están éticamente permitidas para usarlas a la luz de esas dos preguntas, entonces no tendría problema en verlas en joyería de fino.
P.- Eres rusófilo, eso no es ningún secreto. ¿Crees que las culturas eslavas están suficientemente representadas en la escena steampunk?
R.- Me sorprende que lo sepas, de hecho, porque no lo menciono muy a menudo en espacios online: estudié inglés/ruso en el colegio, hablo (admito que mal) ruso y viví en el extranjero en Moscú durante un tiempo, así que sí. Soy un poco rusófilo. Pero no diría que soy representante para hablar sobre la cultura rusa en absoluto. Hay un ENORME Comunidad steampunk rusa , de hecho, y creo que se representan bastante bien. También conozco a varios steampunks estadounidenses con ascendencia rusa o eslava, que hicieron cosas creativas con su trabajo y diseñadores que usan el Marcadores culturales bastante bien .
P.- Como sabes, la herencia joyera de la Familia Imperial era espectacular. ¿Podrían joyeros de la corte como Fabergé o Bolin, que evocan la grandeza y el sublime gusto de la dinastia Romanov, inspirar a los joyeros Steampunk?
R.- Por supuesto, podrían, y luego considerar las influencias francesas que también están vinculadas al arte y la joyería imperial rusa. Los nobles rusos tomaron muchas influencias artísticas de Europa en general, pero especialmente de Francia e Italia (como en la construcción de San Petersburgo). También sugeriría que investigues el ámbar ruso, que es muy común en la joyería rusa (y, en relación con eso, la historia de la Sala de Ámbar ), y en el arte de la laca rusa.
P.- El zar Nicolás II de Rusia fue un conocido coleccionista de joyas. ¿Cree que la joyería para hombres puede recuperar la importancia que tuvo en otros periodos de la Historia?
R.- La moda masculina en el steampunk es más elaborada en comparación con lo que había sido en el pasado; a partir del siglo XVIII ha habido un giro en la moda occidental hacia estilos de vestimenta más "modestos" para hombres (con la excepción de subculturas, por supuesto, como el dandismo) que ha continuado hasta hoy. Con la cantidad de adornos, baratijas y herramientas que los steampunks suelen llevar, creo que es posible ver la moda steampunk masculina como algo más abierto a los accesorios que en las modas convencionales.
P.- Eventos históricos como las 'Guerras del Opio' son fuentes de inspiración increíbles para sentar las bases del Steampunk. Irene y yo visitamos China en 2011 y llevo años siendo aficionada a Asia. El dicho chino dice: "El oro tiene un valor; Jade es invaluable"; El jade representa belleza, gracia y pureza, y se cree que protege a quien lo lleva. Tenemos en mente algunas ideas usando jade tallado, pero no aspiramos a imitar las culturas orientales... ¿qué nos puede contar sobre el orientalismo y la apropiación cultural? ¿Puede esto volverse relevante en referencia al concepto y estilo steampunk? ¿Y las joyas?
R.- En primer lugar, por favor, no, no, NO se refieran a guerras que promovieron la destrucción cultural y la agitación social de toda una nación por parte de una potencia extranjera QUE INTRODUJO DROGAS DE CONTRABANDO EN UN PAÍS PARA INCITAR SU RUINA POLÍTICA como una "inspiración" para la joyería.
Ese es uno de los síntomas de la apropiación cultural, en los que las historias muy reales y dolorosas de otras personas son descaradamente ignoradas o irrespetadas, y son suposiciones como esa las que DAN mala fama a la industria de la moda por ser culturalmente insensible y racista (aunque sí la hay Hay pruebas de que esto ocurre con suficiente frecuencia ).
Dicho esto, los materiales asiáticos pueden usarse como fuentes de inspiración, pero también hay que tener en cuenta que la accesibilidad occidental a los productos asiáticos tiene una historia complicada, lo que fue una de las principales justificaciones para la colonización y la presión a las naciones asiáticas en los siglos XVIII y XIX.
El orientalismo, en pocas palabras, también está vinculado al arte y la política. Aunque la gente la reconoce como una escuela de arte, fue una escuela cuyas oportunidades para crear dicho arte se establecieron como resultado de la conquista o la sumisión de otras naciones a Occidente. Algunos artistas orientalistas fueron fantásticos proto-etnógrafos en sus métodos; otros se entregaban a estereotipos descarados y fetichizaban al Otro; Aún más artistas ni siquiera viajaron al país sobre el que pintaron o escribieron, pero alimentaron su imaginación de la "idea" (que a menudo era sesgada y desinformada) sobre estas "tierras lejanas donde el tiempo se detuvo". Todos estos aspectos son prevalentes en la escuela de arte orientalista, así que no condeno la escuela de arte, sino reconozco los múltiples caminos que siguió el arte, que no eran necesariamente buenos para los no occidentales. De hecho, fue Edward Said quien primero le propuso matrimonio en su libro Orientalismo la teoría cultural de que el arte y los medios que reflejan los estereotipos de un Otro violento, hipersexualizado y "bárbaro" tienen resultados políticos directos donde Occidente justificó la subyugación de otros pueblos no occidentales usando esa idea estereotipada del "Otro inferior".
La apropiación cultural es un tema completamente gris en general: cómo definirla, cómo afecta a las personas, qué podemos hacer para prevenirla. ¡Por eso tengo paneles donde podemos hablar de este mismo tema con la gente! Allí son Recursos y Discusiones la gente puede acudir para hablar sobre el tema, y recomendaría especialmente el trabajo de Nisi Chal sobre apropiación cultural y su libro sobre Escribiendo al Otro (que también puede aplicarse al pensar en la ropa y otras artes, creo).
P.- Diana, permíteme aclarar algo respecto a mi referencia a las 'Guerras del Opio' en la pregunta anterior: no queríamos ofender sensibilidades ni generar controversia. Sin embargo, la inspiración puede surgir incluso de los actos más abominables, incluida la guerra; No pude evitar recordar a Pablo Picasso y a sus Guernica , incluso teniendo en cuenta que este artista español no era un ' Artista de guerra ‘. Dicho esto, me gustaría añadir que Decimononic no está pensado para inspirarse en la destrucción; sin embargo, las 'guerras del opio' son solo un ejemplo de eventos históricos de la era victoriana que pueden ayudar a moldear el Steampunk con precisión, un recurso para minimizar el 'eurocentrismo' o evitar el anonimato... 'quienes no recuerdan el pasado están condenados a repetirlo', como dijo el señor Santayana. En fin, como producto cultural el Steampunk no puede quedarse en el margen de los conflictos, ¿no crees?
R.- Hay una diferencia entre rendir homenaje a la historia e ignorar las consecuencias de la historia al hacer arte. Picasso se sintió especialmente conmovido por los horrores ocurridos durante la Guerra Civil Española y "Guernica" es una obra homenaje a las personas que sufrieron durante esos bombardeos.
Por supuesto, solo quería dejar *muy* claro a los lectores la importancia de ser respetuoso con tu tema en el arte. Obtener inspiración de algo no equivale a respeto si esa inspiración proviene de un lugar de ignorancia.
Al analizar cómo el steampunk puede abordar diversas historias del siglo XIX, diría que este periodo fue de "miedo y asombro". Era la Era de la Invención y la Era de la Ansiedad. Era el último momento antes de nuestro tiempo actual cuando la gente temblaba de emoción y temor ante el futuro. Los objetos steampunkados, al combinar lo especulativo y lo técnico, están llenos del potencial de crear cosas maravillosas de belleza que comentan cómo nos vemos en el mundo. Especialmente en términos de moda, la estética steampunk prioriza cómo las personas —usando nuestros cuerpos híbridos hechos de lo real y lo imaginario, de ciencia y arte, de pasado y presente— imaginan un mundo mejor, a pesar de sus defectos. Esto es parte del atractivo del steampunk, creo: ese compromiso con la belleza a un nivel visceral y social en todas sus formas.
P.- ¿Hay algo más que le gustaría añadir?
R.- Para resumir, me gustaría terminar con este recordatorio: al explorar las posibilidades de la joyería steampunk —y el uso del estilo steampunk en general— también deberíamos ser conscientes de las raíces históricas de nuestro arte y, aún más, de los mensajes que expresamos cuando lo incorporamos a nuestra moda.
Descargo de responsabilidad.- Las opiniones o declaraciones expresadas en esta entrevista son las del entrevistado y no reflejan necesariamente los puntos de vista de Decimononic.
3.- ¡Próximo entrevistado!
El 15 de marzo publicaremos la entrevista para Viveka Goyanes (también conocido como Amoelbarroco , el punto de encuentro entre el arte y el diseño de moda). Según su perfil en Tumblr... 'Barrocker, crápula, delirium tremens, esteta, dandibilly, una canción de pirata. Obsesionado con Venecia, los tiempos pasados, el refinamiento y el cine mudo (por ejemplo)'.
Recuerda que todas las entrevistas publicadas están disponibles para tu deleite: 'Joyería steampunk esta noche con...' la serie de entrevistas breves de Decimononic .